Corporéités et création artistique ı|ı·•·ı|ı·•·ı|ı·•·ı|ı·•·ı|ı·•·ı|ı·•·ı|ı Corporeality and art creation

Each abstract is available in French and English !
Tous les résumés sont disponibles à la fois en Français et en Anglais !

Publication des communications | Papers release date: June 15, 2020.

Discussion | Q&A Session: Jeudi 18 juin 2020 | Thursday June 18, 2020.
20.00-21.00 CEST (Paris) | 19.00-20.00 BST (London) | 14.00-15.00 EDT (NY) | 11.00-12.00 PDT (LA)

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Introduction

Ce second panel « Corporéités et création artistique » se place en continuité directe des échanges et réflexions issues du Panel 1. En interrogeant ce que signifie la création, depuis une position minoritaire, il s’agit d’en déceler le potentiel critique et émancipateur. Ces pratiques, qui ne sauraient se limiter à des esthétiques, mais qu’il convient bien souvent d’envisager comme des stratégies militantes, s’enracinent dans une histoire des luttes (Lebovici, 2017) et attestent de la place singulière de l’individu dans les mobilisations collectives comme artistiques : les trajectoires personnelles, au prisme de l’art comme de l’action militante, font corps avec la communauté.

Zoé Adam est militante queer, chercheuse indépendante et a rédigé une thèse sur les corps queer comme sites de création et de résistance. Ses recherches portent sur le recours à des pratiques artistiques par les militant·es féministes et queers et abordent ici la porosité entre quotidien, création artistique et activisme queer.

Marion Cazaux est doctorante en histoire de l’art contemporain et s’intéresse aux arts féministes et queer, ainsi qu’aux pratiques du travestissement. Dans une analyse esthétique et politique des pratiques drag, Marion Cazaux revient sur le paysage artistique du XXe siècle et construit une forme de généalogie des pratiques de travestissement et d’autoreprésentation.

Yana Shtilman est masterante en culture anglophone à l’université Paris Diderot. Sa présentation porte sur le travail photographique de Robert Mapplethorpe et particulièrement sur les processus d’auto-fétichisation et son rapport à l’autre. Dans une perspective queer, Yana Shtilman explore les représentations non normatives de l’identité de genre dans ses portraits et autoportraits et propose un regard renouvelé sur un artiste incontournable de l’Histoire de l’art.

L’objectif ici est d’approcher les pratiques artistiques et activistes LGBTI et Queer par le biais des corporéités. De l’art corporel aux happenings militants, de l’exploration artistique de la relation à l’autre à l’autoreprésentation, les travaux des intervenant·es de ce panel mettent en lumière les corps des artistes comme lieux de cristallisation d’enjeux politiques.

Mélodie Marull.



Our second panel, entitled « Corporeality and art creation », is following the line of thought of our first panel. There, we interrogate what « creation » means for minority groups, and underpin art’s critical and emancipatory potentiality. The art praxes highlighted by the speakers are not limited to an aesthetic, but should be envisioned as activist strategies. They are part of a history of struggle and shed a light on the singular place of the self in collective, social and artistic movements. Personal history lines, seen through the lenses of art and activism, are part of the same embodied community.

Zoé Adam is a queer activist, independant researcher and author of a thesis on queer bodies as places of creation and resistance. Her research focuses on art as a feminist and queer praxis, and blurs the line between daily lives, art creation and activism.

Marion Cazaux is a PhD Candidate in contemporary art history. She is interested in feminist and queer art creation, and in drag culture. Drawing on an aesthetic and political analysis of drag culture, Cazaux provides a historical panorama of drag performances and self-representation in the 20th and 21st centuries.

Yana Shtilman is a Master’s student at the Université Paris Diderot. Her presentation questions Robert Mapplethorpe’s self-fetishisation and relationship to the Other. Drawing on a queer approach, Shtilman explores non-normative representation of gender identity in Mapplethorpe’s (self-)portraits. While Mapplethorpe is an essential part of queer art history, Shtilman proposes a new reading of his work.

This panel looks at the body in LGBTI and queer art and activism. These three papers explore body art and « happenings », one’s relation to the Other and self-representations. And thus, they interpret the artists’ bodies as places where queer politics are definitely at stakes.

Mélodie Marull.


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ABSTRACTS

Zoé Adam, “Un corps à soi.”

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Language : Français

Abstract :

A body of one’s own.”

ACT UP surely has demonstrated how activist and art praxes intersect. By giving HIV-positive people visibility and opening spaces for their experiences and their fights, ACT UP offered us a possibility to understand the centrality of the body in these practices, the daily management of the body and its affects, and the necessity to perform them in public and safe(r) spaces.

Recent publications, such as Ce que le sida m’a fait (Lebovici, 2017) (“What AIDS has done to me”), and Pour une Esthétique de l’Émancipation (Alfonsi, 2019) (“For an Aesthetic of Emancipation”), have allowed for a redevelopment of these embodied practices contesting the still thriving cisheteronormative order. My paper aims to look at the limits of art, when there is no artist anymore, no work, but the performances of queer bodies. Merging the boundaries between art and life, queer daily practices are underpinned. The concept of a militant aesthetic of living is developed to shed light on the queer contestation of the everyday life, at the crossroads between artivism and queer micro-politics. There’s thus only a short step between Kaprow (Art as Life) and the foucaldian aesthetics of existence. A queer reading of Michel de Certeau appears likely to distort the norm of the daily life and transform it into a subversive space.

By rethinking the slogan “the personal is political”, I analyse daily practices, queer spaces where affects and body performances are at play (including queer open stages, the drag scenes, the voguing movement), tattoo, photography… as they are connected to queerness.

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Résumé :

Ce qu’Act Up aura entre autres montré, c’est l’imbrication des pratiques activistes et artistiques. En visibilisant les personnes atteintes du VIH, en leur ouvrant des espaces de parole et de lutte, Act Up aura aussi permis de comprendre la place centrale du corps dans ces pratiques, la gestion quotidienne de ce corps, traversé d’affects, et sa nécessaire performance dans l’espace public comme dans des espaces safe.

De récentes publications, en particulier Ce que le sida m’a fait (Lebovici, 2017) et Pour une esthétique de l’émancipation (Alfonsi, 2019), permettent de redévelopper cette importance du corps vecteur de pratiques transformatrices. Ces pratiques corporelles sont des pratiques de résistance et de contestation face à un ordre hétérocisnormatif toujours vaillant. Cette intervention propose d’aller voir ce qu’il se passe aux limites de l’art, lorsqu’il n’y a plus d’artiste, plus d’œuvre, mais qu’il y a bel et bien des performances de corps queer. En dissolvant les limites entre l’art et la vie, il devient possible de mettre en relief des pratiques queer quotidiennes. La notion d’esthétique militante de l’existence sera développée pour mettre en lumière la contestation queer du quotidien, à l’intersection de l’artivisme et des micropolitiques queer. De Kaprow (L’art et la vie confondus) à l’esthétique de l’existence de Foucault il n’y a alors qu’un pas. Une relecture queer de Michel de Certeau apparaît stratégique, pour distordre la norme depuis le quotidien et en faire un espace de subversion. Il s’agit en somme de repenser le slogan « le personnel est politique ». Il sera question de pratiques quotidiennes, d’espaces queers où se jouent tant des affects que des performances corporelles y compris scéniques (scènes ouvertes queer, scènes drag, comme a pu le faire le mouvement voguing), de tatouage, de photographie… Le tout sera connecté à l’ensemble des pratiques queers.

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Marion Cazaux, “Pratiques performatives et expérimentations identitaires : une politisation du corps.”

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Language : Français

Abstract :

Performative praxes and identity experiments: politicising the body”

In this paper, I first analyse female- and male impersonation in self-portraits from the 20th century. Thereby, I propose new readings of an art that appeared before queer theories and vocabulary. I address the work of artists such as Claude Cahun, Luciano Castelli or Pierre Molinier. Cahun, for instance, had a singular conception of self-portraits, switching between genders, leaving nothing to the natural. We could read her work as “proto-drag”.

In a second part, I look at the political art performance of the Sisters of Perpetual Indulgence. Loyal to their early fights, defending the queer community in the context of the AIDS crisis, they crossed the boundaries of time. I question their use of drag as a political practice between dailiness and spectacularisation.

Finally, I examine the contemporary queer scene and its diversity. On the one hand, I introduce artists performing in institutional art centres, such as Steven Cohen or Sasha Velour. On the other, I bring up alternative performers, such as Aaliyah Xpress or Jeanne d’Abus. In this context, drag provides a spectacular coming out, if not a spectacularisation of the coming out. These drag performers are the symbols of a queer community that gathers at their shows. Each of them experiment with corporal and identitarian political, queer and vindicating possibilities. I, therefore, look at the places of their performances as places of queer activism.

Decade after decade, the messages of drag performances have sharpened and multiplied, and the number of participants involved in drag scenes has grown. Such a diversity of practices allows for the existence of activist embodiments, experimentations and political strategies, that my work underpins.

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Résumé :

Dans cette communication nous nous proposons d’aborder en premier lieu les autoportraits travestis réalisés au vingtième siècle afin de poser un cadre à notre discours, mais aussi de nous positionner face aux relectures des corpus antérieurs aux théories et vocabulaires queers. Nous proposons de traiter d’artistes tel·les que Claude Cahun, Luciano Castelli, Pierre Molinier. Claude Cahun par exemple a eu une pratique de l’autoportrait singulière, ou passant d’un genre à l’autre, rien ne paraissait naturel, tout était joué ; nous pourrions presque le considérer comme du proto-drag.

Dans un second temps nous nous concentrerons sur les Sœurs de la Perpétuelle Indulgence qui oscillent entre performance artistique et action politique. Elles traversent le temps en demeurant fidèles à leurs premiers combats comme la prévention contre le sida et la défense de la communauté. Nous pourrons interroger leur pratique entre politique et drag, entre quotidienneté et spectacularisation.

Enfin, nous finirons sur la pratique performative queer actuelle, qui est diverse et exponentielle.

Nous retrouvons des artistes performant en centres d’art, comme Steven Cohen ou Sasha Velour, et des artistes préférant les lieux alternatifs comme la plupart des artistes drag (Aaliyah Xpress, Jeanne d’Abus, etc). Le drag permet dans la scène actuelle de revendiquer une sortie du placard spectaculaire, nous pourrions même dire une spectacularisation de la sortie du placard. Les artistes drag deviennent des sortes de symboles de la communauté queer, qui se rencontrent lors des shows.

Chacun·e a leur manière expérimente les possibilités corporelles et identitaires politiques, queer, revendicatives. Il s’agirait ici d’étudier les lieux d’activités de ces artistes, et donc leurs lieux de militantisme.

Par les décennies les messages, derrière la pratique du travestissement, se sont affinés et multipliés, tout comme le nombre de leurs pratiquant·es. Cette pluralité permet d’y rencontrer des corporéités militantes, des expérimentations, des stratégies politiques que nous tentons d’étudier.

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Yana Shtilman, “Flesh for fantasy: Articulation of identities in Robert Mapplethorpe’s portraits.”

Language: English

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Abstract:

The US photographer Robert Mapplethorpe, who died from AIDS in 1989, left three full-format portfolios and more than a thousand Polaroids mostly unpublished during his life. Focusing on his selected self-portraits (the early polaroids 1970 – 1976) and on portraits of others (Lady Lisa Lyon, 1983; and X Portfolio, 1978), my research regards his photography from the queer perspective and raises the following questions: What does self-fetishization mean for the gender binary? Did Mapplethorpe manage to escape the binary opposition? Using contemporary gender and queer theory of Judith Butler and Nikki Sullivan, my research explores non-normative representations of gender identity in Mapplethorpe’s photography. In the first part, I regard how queer identity and gender binary are represented in his polaroids and link them with self-fetishization. Nevertheless, I mainly focus on his self-portraits. By analysing his works in the second part, I prove that he imposed his own personality on his sitters and this way the portraits of others might be considered to be his self-portraits as well. Thus, this paper traces the role of gender performativity in the selected images and answers the question of how they challenge normative representation of identities. In total, my work sheds a new light on some famous series of Mapplethorpe’s as well as discusses his unpublished photographs by regarding them from the gender and queer angles.

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Résumé:

“‘Flesh for fantasy’: l’articulation de multiples identités dans les portraits de Robert Mapplethorpe.

Mort du SIDA en 1989, le photographe américain Robert Mapplethorpe laissa trois portfolios grand-format et plus d’un millier de polaroids, dont la majeure partie n’a pas été publiée de son vivant. Centrée sur ses autoportraits choisis (les premiers polaroids 1970-1976), et sur des portraits qu’il tira d’autres personnes (Lady Lisa Lyon, 1983 ; X Portfolio, 1978), ma recherche observe ses photographies d’un regard queer et soulève les questions suivantes : que signifie l’autofétichisation pour la binarité de genre ? Mapplethorpe était-il parvenu à échapper à cette opposition binaire ? Au recours des théories de Judith Butler et Nikki Sullivan, mes travaux explorent les représentations non normatives de l’identité de genre dans la photographie de Mapplethorpe.

Dans une première partie, je considère la manière dont sont représenté les identités queer et la binarité de genre dans ses autoportraits. Dans une seconde partie, je montre que, considérant qu’il imposait sa propre personnalité sur ses modèles, les portraits photographiés par Mapplethorpe pourraient aussi bien être considérés comme des autoportraits. Dès lors, cette présentation questionne le rôle de la performativité de genre dans des images choisies, et démontre comme celles-ci remettent en cause la représentation normative des identités. Dans son ensemble, mon travail porte un nouveau regard sur les séries bien connues de Mapplethorpe, et discute de ses travaux non publiés en les observant sous les angles du genre et du queer.

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Liz James, “Embodied Temporality: Nostalgia and Resistance in the Photographs of Elle Pérez.”

[! Annulé ! Cancelled !]

Language: English

Abstract:

On the wall at the 2019 Whitney Biennial was a collection of large-format, alternately graphic and quiet, photographs. These included a person with large, blooming bruises on their face and a scar-taped wound on their neck; a leg with a slur carved into it, blood still dripping down the thigh; and a black and white hand holding a glass vial up to catch the light streaming in to the space. These three photographs demonstrate contemporary trans experiences. Photographer Elle Pérez radically challenges popular notions of what it is to be queer or trans through their representations of those within their community.

I focus on three of Pérez’s photographs from the Biennial: Mae (Three Days After), t, and Dahlia and David (fag with a scar that says dyke). Using Svetlana Boym’s theory of nostalgia, J. Halberstam’s concept of queer time, and formal evaluations of transgressed binaries, I argue that these three photographs depict aspects of trans lives not often represented in media portrayals of queer people. Pérez’s figures exist on the margins of society; they make choices to scar, surgically change, and hormonally alter their bodies.

By presenting their figures in the midst of these actions, rather than simply before or after them, Pérez not only complicates easy ideas of trans embodiment, but also speaks in code to their fellow community members. Pérez’s photographs quietly revolutionize ideas of what it means to be trans or queer.

Résumé:

Temporalité incarnée : Nostalgie et résistance dans les photographies d’Elle Pérez.”

Sur les murs de la biennale Whitney de 2019 figurait une collection de photographies grand-format, tantôt graphiques, tantôt silencieuses. Celles-ci montraient par exemple une personne dont le visage était couvert de vastes hématomes, et le cou recouvert d’un pansement. Une jambe dans laquelle une insulte était gravée, le sang coulant encore le long de la cuisse. Une main noir et blanche tenant un verre de manière à capter la lumière qui se diffuse dans l’espace. Ces trois photographies représentent les expériences trans’ contemporaines. Par ces représentations, le·a photographe Elle Pérez remet en cause les imaginaires collectifs des vies queer ou trans.

Je me pencherai sur trois photographies présentées par Pérez à la biennale : Mae (Three Days After), t, et Dahlia and David (fag with a scar that says dyke). En m’appuyant sur la théorie de la nostalgie de Svetlana Boym’s et le concept de temporalité queer de J. Halberstam, je montrerai en quoi ces trois photographies présentent des aspects des vies trans, qui ne figurent que rarement parmi leurs représentations médiatiques. Les personnages de Pérez existent en marge de la société : ils et elles font le choix de la scarification, de la chirurgie et des traitements hormonaux. En présentant leurs figures au cœur de ces actions, plutôt qu’avant ou après leur réalisation, Pérez ne brouille pas seulement l’imaginaire des corporéités trans, mais parle aussi le langage des membres de cette communauté. Les photographies de Pérez révolutionnent ainsi silencieusement les préconçus de ce qu’être queer ou trans’ signifie.